千と希の設計図 web版 2026年10月号

11月2日

読了時間: 8分

印刷でできること、できないこと

　今更ですが、紙にできることとデジタル媒体にできることの違いを考えてみました。

　もっともどんな絵を描きたいのかによって練習方法は変わりますが、基本はたくさん描いた人が上手になっていきます。

　その反面、「一瞬でもっと良くなるのに」と思うポイントもありまして、今回はそこを少しみていきたいと思います。

修正のききやすさ

紙：刷ったら終わり

デ：公開後もいつでも直せる

作り手としてはデジタルの方が優れているように思えますが、受け手としては消えてしまう不安があります。WEB広告はPDCAを回すのを前提にしているので、修正ありきでコストがかさむというのは課題点の一つです。

五感の刺激（体験）

紙：視覚・触感・重み・めくる音・匂い

デ：視覚・聴覚（動画）

これは言わずもがな物理的な媒体の強みですね。ただ、動画はデジタルの強みです。紙媒体ですと紙芝居が限度…

時間の流れ（消費スピード）

紙：スロー

デ：ファスト

ドパガキという言葉が流行ってますが、ドーパミンの欲求にしたがって数秒でスクロールされ、タイムラインの彼方に流れていくのがデジタルコンテンツです。机に置かれ、何日・何ヶ月もかけて拾い読みされる紙媒体とはもはや生活様式から違いますね。

…特段新しい発見はなかったかもしれませんが（笑）、スマホやPCの画面に見慣れてしまった昨今、改めてみるに紙媒体というのはなかなかに味わい深いものです。しかも実用性が残っているのが面白いところで、事実CVRは紙の方が上だという結果が出ている以上、マーケティングを考える上では無視できません。人間はあくまで物理世界の存在なので（いまのところ？）、視覚の他に触覚や嗅覚に訴えられる紙媒体というのは確かにインパクトがあります。

文字の多さ、大きさ

文字サイズの現在地

「デカけりゃいい」から「スマートな可読性」へ

20年前（2000年代前半）は紙の雑誌や書籍の本文は 8ポイント〜8.5ポイント、7ポイント台の極小サイズを組むのが「かっこいい」「情報量が多い」とされてた時代でした。Ｗｅｂも12〜14ピクセルが標準で、今見るとかなり小さいですね。ただ現在はディスプレイが高解像度化しているので、単に見た目の大きさでは比較できませんが、まぁ米粒みたいなものです笑。

過渡期の暴走（2010年代〜）

高齢化社会への危機感と「ユニバーサルデザイン（UD）」のブームが爆発したころ。「とにかく誰でも読めるように！」って、行政のパンフから一般誌まで、本文を10〜12ポイントまで拡大する現象が起きました。まるで絵本みたい、と思ったものです。実際、文字サイズだけ大きいと「なんか間延びして野暮ったい」「新聞のシニア欄みたいで情緒がない」という声も出ていたようで、デザイン的にはげんなりな時代でした。

現在

今はこなれて 9〜10ポイント（14Q〜14.5Q前後）あたりに落ち着いています。20年前より「半ポイント〜1ポイント大きい」絶妙なサイズ感。今のトレンドは「文字サイズそのものを巨大化させるのではなく、行間（行送り）を1.7〜2倍くらいゆったり取って、文字のフトコロが広いフォントを使う」っていう解決策に落ち着いています。ただこれは、昔から適正とされた行間と同じなので、原点回帰と言った方がいいかもしれません。

文字量の現在地

「3行まとめ」の反動と、二極化

文字量に関しても、まさに紆余曲折の歴史そのものです。「タイパ」と「スマホ要約」の極振り期では、Ｗｅｂの普及とスマホの台頭で、「長い文章は誰も読まない」「3行でまとめろ」「インフォグラフィックと図解だけで伝えろ」っていう極端な削ぎ落としが猛威を振るいました。特に日本のSPツールにおいては、かねてから「文字が多い」「説明しすぎ」というきらいがあったため、悪くない方向性ではありました。　

　ところが、文字を削って箇条書きや要約ばかりにしたら、今度は「どこを見ても同じような浅い情報しかない」「読んでてちっとも面白くないし心に残らない」という揺り戻しが起てきました。また、「説明がないと不安」という民族性も戻ってきたような気がします。

現在では「要約で流し見する層」と「文脈ごと味わいたい層」の住み分けができたことで、しっかり読ませる媒体では、むしろ適度な文字量（1記事800〜1、200字程度、見開きで2、000字前後など）が堂々と復権しています。今のトレンドは「文字量を減らす」ことじゃなくて、「拾い読みできる階層（強い見出しやリード文）」と「深く潜れる本文」のメリハリを明確に分けること。

　最初から薄味にすのではなく、入り口は広く、本文はちゃんと骨太に読ませる形に落ち着いたようです。

　ただ、Ｙｏｕｔｕｂｅのサムネイル、ニュース動画のタイトルのように、なんとしてでも人を呼び込みたい、という欲求丸出しの見出し文章はしばしばコンテンツの中身との齟齬を生み、結果として「サムネ詐欺」の烙印を押されることになります。

　こうして文字や紙文化を自分なりに纏めながら、これも時代の１点を切り取った感想であり、未来にはまた違った状況が取り巻いていて、違った感想が出てくることが予想されます。常に流れを意識しつつ、誰にとって何がベストなのかを考え続けていくことが大事ですね。

絵画教室の講師としても活躍しているスタッフたち。そもそも、絵を描き始めたきっかけは何だったのでしょうか？現役のデザイナーたちに聞いてみました！

なかなか難しい質問ですが、あえて一つ挙げるとするならば、「憧れ」は大事かと思います。うまい人の絵を観た瞬間の、ワクワクすると同時になんとなく恥ずかしかったり悲しかったり…いろんな感情がうずまきつつも、自分もそこに行きたい、と思うあの感覚が、上達への原動力になるのではないかと。

私は「上手い人からのアドバイスを聞くこと」と「完成させること」が上達への近道だと思っています。

うまく描けなくてもとりあえず完成させて、アドバイスを聞く。こだわりは基礎が出来てから…と思ってはいるのですが、なかなか難しいです。上達に時間がかかっても長く絵を描くことを楽しみ続けたい気持ちもあります！

絵の上達で一番大切なのは、「モチベーションを維持する忍耐力」だと思います。上達には練習が不可欠ですが、望む結果が出るまで継続するのは絵に限らずどの分野でも大変です。しかも、練習を重ねて上手に描けるようになるほど自分の中の理想のレベルも上がっていくため、その長い道のりを支える強い気持ちが大事だと思います。

「よく観察すること」だと思います。対象の特徴や良いところを見つけて理解し、自分の中に落とし込むことが上達の近道だと思います。知っているのと知らないのでは意識の差が筆に表れますし、気づいていなければ描くことすらできません。ただ、自力で気づくことは難しいとこだと思うので、絵画教室ではそういったことに自分から気がつけるように生徒さんをアシストしてあげたいです。。

一番大切なことは、絵を完成させることだと思います。タイトルをつけて人に見せるともっといいです。作品にすると自分の手から離れるので、改めて冷静にいいところと足りないところが見える気がします。今回は、コントラストを強調させてみるとか、テーマを決めるのも面白いと思います。疲れちゃうので全部完成させなくても大丈夫です。